Table des matières
Il existe un certain nombre de règles importantes de composition en photographie.
En photographie, la composition consiste à inclure ou à omettre des éléments dans le cadre, mais aussi à les placer dans la scène.
Plutôt que de les considérer comme des "règles", considérez-les comme des lignes directrices pour rendre vos images plus attrayantes et plus intéressantes sur le plan visuel.
1. comment utiliser les règles de composition et la règle des tiers pour ajouter de l'intérêt
La règle des tiers consiste à placer le sujet principal à un tiers de la surface de l'image. Il est beaucoup plus intéressant de placer le sujet excentré que de le placer au centre.
De nombreux appareils photo, y compris les smartphones, peuvent superposer une grille de la règle des tiers sur l'écran. Cela ressemble à un jeu de morpion : deux lignes horizontales et deux lignes verticales divisent le cadre en tiers.
Lorsque vous prenez une photo, placez votre sujet principal sur l'une des lignes, horizontalement ou verticalement.
"Si vous le pouvez, placez votre sujet principal à l'endroit où les lignes se croisent.
2. simplifier une scène avec la règle des probabilités
La règle des probabilités est un moyen de simplifier une scène complexe comportant de nombreux sujets possibles. En général, nous trouvons un nombre impair de sujets plus intéressant qu'un nombre pair.
Trois est un chiffre magique, mais cinq ou sept conviennent également.
La règle des probabilités nous aide à sélectionner nos sujets de manière réfléchie, en nous guidant sur ce qu'il faut inclure et ce qu'il faut laisser de côté.
La règle de l'impair nous rappelle également qu'il faut isoler notre sujet dans une scène très animée. 1 est un nombre impair.
3. se concentrer sur le sujet en remplissant le cadre
Pour remplir le cadre, il faut s'approcher du sujet, très près.
Faites en sorte que votre sujet principal soit clair et distinct. Demandez-vous quelle quantité de ciel est réellement nécessaire et quelle quantité d'arrière-plan est nécessaire.
Nous pouvons remplir le cadre en utilisant un zoom et en nous rapprochant photographiquement de notre sujet. Mais il est souvent préférable de "zoomer avec les pieds", c'est-à-dire de se rapprocher physiquement de son sujet.
En post-traitement, envisagez de recadrer plus étroitement votre sujet pour remplir le cadre.
4. choisir une profondeur de champ appropriée
La profondeur de champ consiste à déterminer la partie de l'image qui doit être mise au point. Il ne s'agit pas tant d'une règle que d'une décision de composition que vous devez prendre.
Une faible profondeur de champ signifie que seule une petite partie de l'image est nette, généralement le sujet, et que l'arrière-plan est flou.
Une grande profondeur de champ signifie que l'image est nette de l'avant à l'arrière.
Utilisez une faible profondeur de champ pour flouter les arrière-plans distrayants. Les photographes sportifs floutent les arrière-plans pour que les athlètes se distinguent de la foule. Pour obtenir une faible profondeur de champ, utilisez une grande ouverture comme f2.8.
En général, pour la photographie de paysage, il convient d'utiliser une grande profondeur de champ. Pour obtenir une mise au point sur l'ensemble de la scène, il faut utiliser une ouverture étroite, comme f16.
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5. utiliser la meilleure orientation pour la scène
L'orientation et le rapport hauteur/largeur déterminent la partie de la scène que vous capturez dans une image.
L'orientation indique si vous tenez l'appareil photo horizontalement ou verticalement. Le rapport d'aspect correspond à la taille de l'image prise par l'appareil photo.
Si votre image comporte beaucoup d'éléments verticaux ou de hauteur, utilisez l'orientation portrait. Tenez votre appareil photo verticalement.
Si votre image comporte beaucoup d'éléments horizontaux ou de largeur, utilisez l'orientation paysage. Tenez votre appareil photo à l'horizontale.
N'oubliez pas que vous disposez d'une option de panorama, que l'on conçoit généralement comme une longue image horizontale, mais qui peut également être verticale.
Je prends souvent la photo dans les deux sens et je vois ce qui me plaît plus tard. J'essaie souvent différents rapports d'aspect et recadrages en post-traitement.
6. redresser les lignes pour une image esthétiquement agréable
Redresser les lignes qui devraient être droites.
Toutes les lignes d'une image n'ont pas besoin d'être droites, mais certaines doivent l'être. Par exemple, la ligne d'horizon dans un paysage. L'inclinaison de l'horizon dans une image est immédiatement perceptible et distrayante.
De nombreux appareils photo et trépieds sont équipés d'un niveau. Utilisez ces outils pour vous aider à orienter votre appareil photo. Il est également facile de corriger une ligne inclinée en post-traitement.
Les lignes droites sont également importantes en architecture. L'utilisation d'un objectif grand angle déforme souvent les lignes. Laissez de l'espace de chaque côté d'un bâtiment afin de pouvoir redresser les lignes lors du post-traitement.
Dans une image comportant de nombreuses lignes différentes, choisissez-en une comme point de mire principal. Faites en sorte que cette ligne soit droite, même si les autres sont un peu décalées.
7. créer de la profondeur avec des lignes directrices
Nos yeux suivent naturellement les lignes d'une image. Les lignes directrices dirigent notre regard vers le sujet principal. Bien utilisées, les lignes directrices créent un sentiment de profondeur.
Les lignes peuvent être réelles ou suggérées par des éléments de la scène.
Parfois, les lignes sont droites et mènent directement au sujet, d'autres fois, le chemin est détourné. Les courbes en S sont très appréciées des photographes.
Les lignes directrices mènent quelque part. Si une ligne ne mène nulle part ou fait sortir l'œil du cadre, changez de position. Déplacez-vous vers la gauche ou la droite, vers le haut ou le bas.
8. utiliser les lignes diagonales pour ajouter de l'énergie
Les lignes diagonales ajoutent de l'intérêt et de l'énergie à la composition d'une photographie. Essayez de photographier des lignes en diagonale plutôt qu'en ligne droite.
Veillez à ce que votre diagonale soit évidente. Une légère inclinaison de la ligne semble être une erreur.
Pensez à l'intersection des lignes. Les lignes convergentes attirent l'œil. Pensez également à l'endroit où les lignes entrent ou sortent du cadre. Les photographes essaient parfois de faire en sorte qu'une ligne entre ou sorte du cadre dans un coin.
9. attirer l'attention par la lumière
Nos yeux se dirigent naturellement vers la partie la plus lumineuse d'une image, ce qui influe sur la manière dont nous composons une image. Le sujet principal doit être la partie la plus lumineuse de l'image.
Les photographes portraitistes utilisent des flashs ou des réflecteurs pour mettre en valeur les visages de leurs modèles.
En post-traitement, des techniques telles que l'esquive et le brûlage dirigent l'œil. L'esquive consiste à éclaircir sélectivement certaines parties de l'image, tandis que le brûlage consiste à assombrir sélectivement certaines parties de l'image.
10. utiliser l'espace négatif autour des objets
L'espace négatif est l'utilisation de l'espace entre ou autour des sujets comme un élément important de l'image. L'espace négatif devient son propre sujet avec sa propre forme.
L'espace négatif peut montrer l'échelle ou impliquer une émotion comme le "vide".
Il est parfois difficile de voir les espaces négatifs parce que nous avons l'habitude de nous concentrer sur un sujet. Essayez de retourner vos images en post-traitement. Cela vous aidera à voir l'espace sans être trop concentré sur les détails de votre sujet principal.
11. équilibrer les sujets pour assurer la symétrie et l'équilibre visuel
L'équilibre visuel est la relation entre deux ou plusieurs éléments de votre composition. Les éléments semblent équilibrés, l'un n'étant pas visuellement plus lourd que l'autre.
La composition symétrique crée un équilibre visuel. La moitié gauche de l'image correspond à la droite, ou la moitié supérieure correspond à la moitié inférieure. Les reflets dans les photographies fonctionnent si bien parce qu'ils présentent une symétrie.
Même les images non symétriques ont besoin d'un équilibre visuel. Équilibrez un grand sujet visuellement lourd d'un côté du cadre avec de nombreux sujets plus petits de l'autre. Équilibrez un élément de premier plan avec un élément d'arrière-plan.
12. changer de point de vue
La perspective est l'endroit où vous vous trouvez par rapport à votre sujet. Changer de perspective, c'est se mettre en bas ou en haut.
Tout le monde voit le monde à peu près du même point de vue - au niveau des yeux. Vous pouvez rendre les images plus intéressantes en utilisant une perspective différente.
Photographier en contre-plongée rend le sujet plus puissant.
Il est également amusant de changer de perspective et de prendre de la hauteur. C'est l'une des raisons pour lesquelles la photographie par drone est si intéressante. Il est rare que nous ayons une telle vue d'ensemble de notre monde.
L'utilisation d'une perspective basse est importante pour photographier des sujets proches du sol. Elle est également importante pour photographier des enfants. Mettez-vous à la hauteur de leurs yeux.
13. mettez l'accent sur votre sujet principal avec la règle d'or
La règle d'or consiste à placer le sujet principal dans une partie importante du cadre. Cette règle s'apparente à la règle des tiers, mais elle suggère une disposition différente des éléments de la composition.
La règle d'or est basée sur le ratio d'or. Le ratio d'or est un phénomène mathématique naturel. Le monde naturel favorise le ratio de 1 à 1,618. Mathématiquement, cela ne vous dit peut-être rien, mais visuellement, vous le voyez partout. La représentation visuelle la plus courante du ratio d'or est la spirale d'un coquillage.
En photographie, la règle d'or est représentée soit par une grille, soit par une spirale.
Certains appareils photo permettent d'afficher une superposition du nombre d'or ou du ratio d'or dans le viseur. Lightroom propose également des superpositions pour vous aider à recadrer les images à l'aide de la règle d'or.
14) Capturer le mouvement de gauche à droite
Nous lisons les images comme nous lisons un texte, de gauche à droite. Le mouvement dans une photographie doit également se déplacer de gauche à droite dans le cadre. Cette règle de composition est particulièrement importante pour les photographes d'animaux sauvages et de sport/action.
Il n'est pas toujours facile de capturer un mouvement de gauche à droite dans le monde réel. Retournez votre image horizontalement en post-traitement pour créer un mouvement de gauche à droite. Cela fonctionne souvent tant qu'il n'y a pas de texte dans l'image.
Veillez à laisser de l'espace dans le cadre pour que le sujet puisse se déplacer. Cela signifie qu'il faut laisser de l'espace à droite du sujet, sinon le sujet a l'air de sortir du cadre.
15) Incorporer des motifs et des répétitions pour des compositions plus fortes
Notre cerveau aime les motifs et les répétitions. Nous imposons même des motifs à des éléments aléatoires. Pensez au plaisir que nous avons à trouver des motifs dans les nuages. Incorporer des répétitions et des motifs rend nos compositions photographiques plus fortes et plus intéressantes.
La répétition et le motif sont souvent présents dans les formes et les couleurs.
Vous devrez peut-être changer de perspective pour faire ressortir les motifs. Remarquez comment le changement de perspective modifie l'espacement ou cache le motif.
L'ajout d'un contraste à la répétition rend vos photos encore plus dynamiques. L'élément contrastant peut être d'une couleur, d'une forme ou d'une hauteur différente. La rupture du motif met en valeur le motif.
16. trouver une relation entre des éléments
Recherchez des relations intéressantes entre les éléments de votre image.
Par exemple, recherchez la tension. Deux éléments qui semblent se tirer l'un vers l'autre créent une tension visuelle. Les couleurs s'opposent, ou il y a une différence de taille.
Les photographes de rue juxtaposent souvent des éléments. Un élément de l'environnement entre en conflit avec les personnes dans la rue, ce qui peut créer de l'humour ou suggérer une idée plus profonde.
La théorie des couleurs concerne la relation entre les couleurs de votre image. La théorie des couleurs est souvent représentée sous la forme d'une roue des couleurs. Les couleurs situées de part et d'autre de la roue sont complémentaires.
17. simplifier les images pour en saisir l'essentiel
Simplifier, c'est n'inclure dans l'image que ce dont vous avez besoin et supprimer tout ce qui est inutile.
Simplifier une image ne signifie pas créer des images minimalistes. La simplicité consiste à distiller l'idée d'une photographie dans sa forme la plus pure.
Décidez du sujet de votre photo et éliminez tout ce qui ne s'y rapporte pas.
18. dessiner les yeux avec le cadrage
Le cadrage consiste à placer un élément de l'image à l'intérieur d'un autre élément, ce qui crée un cadre dans le cadre. Par exemple, vous pouvez prendre une photo à travers une fenêtre ou une ouverture dans les arbres.
Les cadres ajoutent de la profondeur et attirent notre regard sur l'image et le sujet principal.
19. utiliser la stratification pour donner de la profondeur et de la dimension
La superposition consiste à rechercher des éléments qui s'empilent de l'avant à l'arrière de l'image. La superposition ajoute de la profondeur et de la dimension.
La stratification comprend l'ajout d'un élément de premier plan à un paysage. Au lieu que la scène soit sur le même plan plat, un élément de premier plan conduit l'observateur dans la scène. Les rochers ou les fleurs sont des éléments de premier plan naturels.
Les couches doivent être visuellement distinctes en termes de couleur ou de lumière, afin d'éviter les fusions et de permettre à l'œil de distinguer facilement les couches.
20. éviter les fusions
Les fusions se produisent lorsque les éléments d'une image se chevauchent d'une manière telle que nos yeux ont du mal à les séparer. Nos yeux en 3D distinguent les objets séparés par la distance, mais dans une photographie en 2D, les objets s'imbriquent les uns dans les autres, surtout s'ils sont similaires en termes de couleur ou d'ombrage.
Attention aux distractions d'arrière-plan. Il est facile de ne pas remarquer une branche d'arbre qui semble sortir de la tête d'une personne, ou des personnes qui ont l'air d'avoir des membres en trop.
Pour créer une composition claire, veillez à ce que votre sujet principal soit entouré d'espace. Si des objets ou des personnes se chevauchent, déplacez-vous vers la gauche ou la droite. Un changement d'angle, même léger, permet souvent d'éliminer les fusions.
21. vérifier que les bords ne sont pas distraits
Enfin, avant de prendre une photo, examinez les bords de votre cadre. Nous sommes souvent tellement concentrés sur notre sujet principal que nous oublions de regarder l'ensemble du cadre.
L'espace piégé se produit lorsqu'un objet et le bord du cadre se croisent pour créer une forme étrange de lumière.
Regardez également comment les objets ou les personnes sont coupés par le bord du cadre.
Certains photographes suivent la règle suivante : "Tout inclure ou ne rien inclure", ce qui signifie qu'au lieu de couper un objet ou une personne au bord du cadre, il est préférable de l'éliminer complètement.
Voir également: Comment créer de belles fuites de lumière dans vos photosD'autres photographes sont d'accord pour couper un objet ou une personne tant que la coupe semble naturelle.
Les photographes portraitistes s'efforcent de ne pas couper les gens aux articulations.
Conclusion : Règles de composition
Les choix de composition font la différence entre un instantané et une grande photographie. Suivre ces règles de composition photographique est un excellent moyen de réaliser des images plus percutantes.
Une fois que vous maîtrisez les règles de la composition photographique, il est temps de les contourner ou de les enfreindre.
Utilisez ces règles de composition photographique comme des guides pour vous aider à décider ce que vous devez inclure dans votre image et comment placer les éléments.
Parfois, la bonne chose à faire est d'enfreindre les règles de composition !
